Teaching conservation-restoration in an art school: Sharing experiences

A conference by Muriel Verbeeck and Marie-Héléne Breuil during the ENCoRE Conference on « Teaching Conservation-Restoration » in Liège (Belgium), March the 26th 2014

AbstractConférence de Muriel Verbeeck et Marie-Hélène Breuil lors de la Journée d’étude organisée par ENCoRE (European Network for Conservation Restoration Education) à Liège (Belgique) le 26 mars 2014

Muriel Verbeeck, Professor of History and Theory of Conservation, Ecole Supérieure des Arts Saint-Luc, Liège

Marie-Hélène Breuil, Professor of History of Art, Conservation-restoration of sculpture Department, EPCC Ecole supérieure des beaux-arts TALM Site de Tours

To be published in CeROArt in autumn 2014.

Les textes des conférences paraîtront dans la revue en ligne CeROArt à l’automne 2014.

Résumé en français en bas de page

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Our main purpose in this paper is to question the place of the conservator in an art school and to focus on the relation between conservation and production, or, as it is more often referred to, creation.

A conservator in an art school is first defined by the negative: neither a creative, nor an artist. Most of the time concerned with “old things” and museum artefacts, he or she has a “technical” point of view and is too cautious with objects. So what does a conservator do in an art school? He, or she, doesn’t speak the same language as artists and even if some words are shared they don’t always have the same meaning. Perceived as isolated in the cultural life of the school, he or she works in specific studios with a security access and equipment that doesn’t belong to artistic practice. Most of all the conservator is too expensive, asking for greater support and scientific equipment.

But as a matter of fact being in an art school is a chance. Art and creation are alive and considered a conceptual process, as well as a technological one in relation with artists. A practical approach is required, we can observe these processes, understand and sometimes explain impromptu events in a constructive dialogue. We advocate a solid theoretical training in terms of humanities and pure sciences, nourished by university, laboratory, and museum exchanges. And we can teach artistic and technical procedures in ways that artists don’t use anymore. Since the 1960’s there has been a separation between creation and technique in teaching art, in France and in Belgium. Technique is rejected considered to be artisanat and neglected in favour of project and concept. In teaching conservation-restoration we deal with a lot of traditional and non-traditional techniques and we interest art students.

We can rely on this to have our place in the art school recognized, as well as on the increasing demand to develop research. It’s not easy as there is confusion and a lack of definition concerning research in art. As we develop an applied and scientific research it seems that we are not connected with the idea of research in art that deals more with the idea of creation as research. The notion of « target research » could help us to clear this misunderstanding. We can also rely on the way we consider questions of production in conservation-restoration. It is understood that an art school is a place for production of art and design and that we are only involved in conservation, but what do we produce? Not only knowledge.

Reintroducing technique as a moment in art teaching and developing a research programme around production in conservation-restoration, especially concerning contemporary art, is a way to strengthen our attachment to an art school, not as an accident, or a political decision, but as a necessity in understanding the art process as a global fact.

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Enseigner la conservation-restauration dans une école d’art : Partage d’expériences

Notre objectif principal dans cet article est de questionne la place du restaurateur dans une école d’art et de questionner la relation entre conservation et production, ou comme on le dit plus souvent, la création.

Un restaurateur dans une école d’art se définit d’abord par la négative : il n’est ni un créateur ni un artiste. Dans la plupart des cas il s’intéresse à des « vieilleries » et à des objets de musée, il a un point de vue « technique » et il est trop précautionneux avec les objets. Que fait-il donc dans une école d’art ? Il ne parle pas le même langage que les artistes et même s’il partage avec lui le même vocabulaire il n’a pas la même signification. Il est perçu comme étant isolé dans la vie culturelle de l’école, travaillant dans des ateliers spécifiques à l’accès sécurisé et contenant des équipements qui ne relèvent pas de la pratique artistique. Et surtout il est trop coûteux, demandant un plus fort encadrement et un matériel scientifique.

Mais en fait, être dans une école d’art est une chance. L’art et la création sont vivants et considérés dans leur processus conceptuel comme technique et même technologique en relation avec les artistes. Une approche pratique est requise, nous pouvons observer pour comprendre, mais aussi expliquer, parfois, des phénomènes impromptus dans un dialogue constructif. Pour cela nous revendiquons une formation théorique solide sur le plan des sciences humaines et des sciences pures, et des échanges nourris avec les universités, les laboratoires, les musées. Nous pouvons enseigner des processus artistiques et techniques et même d’une façon qui n’est parfois plus utilisée par les artistes. Depuis les années 1960 il y a une séparation entre création et technique dans l’enseignement de l’art, en France comme en Belgique. La technique est rejetée du côté de l’artisanat et négligée au profit du projet et du concept. En enseignant la conservation-restauration, nous abordons un grand nombre de techniques traditionnelles et non traditionnelles qui intéressent les étudiants en art.

Nous pouvons compter sur cela pour faire reconnaître notre place dans une école d’art ainsi que sur la demande croissante de développer des recherches. Ce n’est pas si évident du fait de la confusion et du manque de définition concernant la recherche en art. Comme nous développons des recherches appliquées et scientifiques, il semble que nous nous éloignons de l’idée de recherche en art qui a plus à voir avec l’idée de création comme recherche. La notion de « target research » peut nous aider à clarifier ce malentendu, ainsi que notre approche de la question de la production. Il est entendu qu’une école d’art est un lieu pour la production en art et en design et que nous sommes seulement impliqué dans des questions de conservation. Mais que produisons-nous ? Pas seulement de la connaissance.

Réinstaurer la technique comme un moment de l’enseignement artistique et développer des programmes de recherche sur la production en conservation-restauration, notamment en art contemporain, est une façon de renforcer notre appartenance à une école d’art, non pas par accident, ou décision politique, mais comme une nécessité pour la compréhension du processus artistique comme un fait global.

 


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